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L’Art contemporain vu sous un autre angle

Chez la galerie David Bloch, les passionnés de l’art contemporain auront l’occasion de découvrir un sous-groupe de peintres faisant de l’art narratif et revenant sur la peinture d’histoire, telle qu’elle était pratiquée avant le 20ème siècle.

Beaucoup de ces artistes nés à peu près entre les années 1970 et 1990 ont absorbé la mythologie à travers des films tels que Star Wars, et des romans de Tolkien ou Philip K. Dick. Au moment où cette génération est arrivée à maturité, le postmodernisme et les révisionnistes académiques avaient dépouillé tout programme d’études approfondies des classiques ou une étude sérieuse de la civilisation occidentale. Ces artistes ont cherché leur propre inspiration, rendant naturel d’explorer en dehors du canon académique officiel. Pour ce groupe de peintres, les hérétiques tels que John Waterhouse sont devenus une source d’inspiration aussi salutaire que Manet ou Picasso.

Une éducation artistique

L’auto-éducation, en particulier à partir de sources originales, peut libérer un artiste de l’ornière des idées institutionnelles acceptées. Les valeurs enseignées sur ce qui devrait et ne devrait pas donner du plaisir sont remplacées par une indulgence indisciplinée formant progressivement un canon personnel.

Nous entrons dans la mentalité des peintres des cavernes d’Altamira ou des sculpteurs de pierre médiévaux qui n’étaient pas consciemment dans l’histoire de l’art. Ils ont travaillé avant que l’histoire de l’art existe en tant que discipline, et encore plus longtemps avant que nous présumions juger une œuvre d’art par sa conformité à une chronologie fabriquée, remplie de trous et d’hypothèses idéologiques de but artistique.

Pour ces peintres, l’objet d’art à mettre en avance lors de l’exposition Marrakech, existe en premier. Parmi certaines des premières preuves de l’humanité sont la peinture et la sculpture. Sauf interdiction, la création d’images représentatives s’étend universellement à travers les cultures. C’est un instinct humain fondamental, et comme manger ou faire l’amour, c’est sa propre récompense. Le plaisir, la crainte et le frisson érotique de faire et de regarder des images sont la raison de leur fabrication. Nos théories quant à savoir pourquoi ne sont que des rationalisations comme des ombres de figures projetées sur un mur.

Cette réponse viscérale aux stimuli directs est la manière d’aborder ce travail. Il devient une sorte de Gesamtkunstwerk qui englobe la représentation, le récit, le symbolisme et le design dans les deux et trois dimensions. Dans l’art figuratif, ce ne sont pas des concepts abstraits de la tête, mais des forces intemporelles à filer comme une araignée tisse une toile.

Corps et art

Dans Mothers de Nicola Verlato, des femmes volantes, des voitures et des débris forment des tourbillons visuels qui pourraient étourdir Tintoretto. La musculature articulée tendue des corps raccourcis nous fait sentir avec sympathie les mouvements des figures. Cela crée un troisième niveau de cinétique dans notre propre corps, renforçant la représentation des objets en mouvement. Tout est structuré au sein de vastes spirales en trois dimensions qui nous entraînent rythmiquement autour d’un espace pictural très convaincant.

Un autre artiste travaillant dans ce style est le peintre Carl Dobsky de Los Angeles. Son navire des fous fait une référence ludique au radeau de la méduse de Géricault: les figures forment un motif étroitement tricoté rayonnant comme un mandala. Les gestes expriment des étapes de confusion et de désespoir face à un désastre. L’image agit comme un retable à la futilité de la lutte et de l’ego humains.

Dobsky trace une fine ligne entre naturel et artificiel, et nous nous laissons convaincre en partie par la technique illusionniste avec laquelle les effets de la lumière sur la chair, le tissu et l’eau sont peints avec le réalisme d’un Hollandais du 17ème siècle. Les humains sont câblés pour jouir d’une réelle maîtrise, et le plaisir que nous prenons à la virtuosité de Dobsky nous incite à suivre son exemple dans les parties les plus sombres de ce tableau Boschien.

Les universitaires ont du mal à expliquer la magie des peintures comme celles-ci. Ces œuvres imprègnent l’espace, la lumière et les figures avec des fonctions formelles et narratives. Ce sont des compositions artificielles en deux et trois dimensions, mais assez naturalistes pour que nous nous engageons émotionnellement avec les personnes qui s’y trouvent. Il y a du récit mais pas comme ça dans un film ou un roman.

L’intrigue ne se déroule pas séquentiellement dans le temps. Cet art agit dans l’espace, et en tant que tel ne bouge pas à une conclusion mais reste dans le présent. C’est pourquoi il n’a pas besoin d’être constamment mis à jour et modifié. Il est créé laborieusement à la main et doit l’être. Chaque partie reçoit une attention et est ajustée pour prendre sa place dans la totalité de la pièce.

Histoire moderne

Ces artistes ne sont que deux exemples de la peinture d’histoire contemporaine. Leur art est une réponse directe à notre maquillage instinctif et neurologique et raconte des histoires qui accèdent au monde des mythes et des rêves ancrés dans notre subconscient.

La peinture d’histoire a eu un tour cahoteux au 20ème siècle. Il a été discrédité par son association avec les anciens régimes alors que la nouvelle presse se mêlait aux gouvernements républicains naissants. Il était également en désaccord avec la classe industrielle qui souhaitait transformer notre environnement physique en un Eden en béton automobile. Ces ingénieurs ont supposé que la nature et notre propre nature interne sont des ardoises blanches sur lesquelles ils pourraient écrire ce qu’ils voulaient sans répercussions ni réactions compensatoires. Le mythe d’Icare n’est pas la seule histoire qui semble à nouveau pertinente.

Notre relation à l’esthétique définit l’art que nous fabriquons, les maisons dans lesquelles nous vivons et les villes partagent. Des villes conçues avec l’expérience des humains et un art conçu avec une compréhension de qui nous sommes peuvent contribuer à faire avancer la désindustrialisation, la dégradation de l’environnement et la nécessité de construire de vastes villes nouvelles pour accueillir des populations croissantes. évaluer le lien entre la beauté, l’art, la nature et notre santé mentale continue.