/De l’art moderne exposé à Marrakech

De l’art moderne exposé à Marrakech

L’art contemporain est notoirement difficile à comprendre et peut être assez intimidant. D’une part, contrairement aux mouvements du passé, la gamme de styles artistiques du présent n’a pas été digérée par les critiques, les conservateurs et les historiens de l’art et ne se prête pas à une catégorisation aisée.

Somptueuses sculptures

La galerie d’art Marrakech David Bloch offre une vue d’ensemble accessible et accessible de l’art contemporain depuis le millénaire, à travers seulement des œuvres de quelques artistes. Tirées des domaines de la photographie, de la peinture, de la performance, de la sculpture, des installations, du vidéo, du film et de l’art public, les œuvres sélectionnées vont largement – de la photographie couleur à grande échelle du Rhin à l’installation d’Ai Weiwei du sac à dos pour enfants de 2008. Tremblement de terre au Sichuan sur la sculpture en sucre imposante de Kara Walker dans l’ancienne raffinerie de Domino Sugar à Brooklyn.

Chaque œuvre a sa propre histoire, mais reflète également des tendances plus larges dans le monde de l’art contemporain. Ces œuvres ne sont pas censées constituer une liste des «plus grands succès», mais un choix stratégique d’œuvres de l’histoire récente permettant de discuter de certaines des approches les plus influentes de l’art contemporain.

L’accent mis sur ces œuvres vise également à souligner l’attention nécessaire pour l’art contemporain et à montrer à quel point le rapprochement peut révéler la profondeur et le pouvoir des œuvres d’art.

Andreas Gursky, Rhin II, 1999

Rhin II, le travail du photographe allemand Gursky, mesure près de 12 pieds de long et 7 pieds de haut. Sa taille énorme aurait pu permettre une multitude de possibilités de composition, mais la photo était formellement extrêmement simple.

Tandis que la vue (en Allemagne) était occupée par les lignes électriques, les arbres et le bétail, Gursky avait supprimé toutes ces choses par le biais de processus analogiques et numériques.

L’utilisation par Gursky de manipulations numériques a suscité une discussion publique animée sur le point de savoir si la photographie était devenue l’équivalent de la peinture en tant qu’art.

Ses œuvres ont également été perçues comme un changement de paradigme significatif pour un public d’art qui n’était pas habitué à voir la photographie couleur à une telle échelle et avec autant de détails. De loin, l’effet était similaire à celui obtenu par les abstractionnistes de Color Field tels que Mark Rothko ou Barnett Newman.

Énigmatique et indélébile, Rhin II se situe à cheval entre deux mondes. C’est une belle capture formelle du potentiel de l’homme aux XXe et XXIe siècles – sa capacité à remodeler le monde tel qu’il le voudrait, pour le meilleur et pour le pire.

 Olafur Eliasson, Le projet météorologique, 2003

En entrant dans le Turbine Hall de la Tate, les visiteurs du projet météo d’Eliasson ont été accueillis par un immense orbe rougeoyant qui flottait près du plafond. Une fine brume remplissait la salle, diffusant sa lueur envoûtante dans toute la pièce.

Parce que cette œuvre de l’artiste danois-islandais utilisait efficacement tout le volume de l’espace, elle s’appelait la plus grande œuvre d’art contemporain d’intérieur jamais produite. L’installation est devenue un phénomène auquel plus de deux millions de personnes ont rendu visite.

Le projet météorologique s’inscrit dans une tendance plus large qui a débuté à la fin des années 90. Les musées ont commencé à installer régulièrement des œuvres d’art monumentales à l’intérieur, à titre d’expositions.

Les critiques ont comparé ces installations à des manèges de parc d’attractions et ont perçu leur spectacle et leur apparition comme une tentative frivole de masse. Pourtant, sous un jour plus positif, les installations contemporaines engageantes et expérimentales sont, pour une part, un excellent moyen d’inciter toute la population du musée à voir d’autres œuvres.

Rachel Harrison, Huffy Howler, 2004

Huffy Howler a bouleversé les attentes en ce qui concerne les matériaux pouvant constituer une sculpture. La plupart de ses composants, y compris les sacs à main, le gravier et les pinces pour reliures, étaient très proches de la poubelle ou très bon marché. Harrison, basé à New York, a toutefois réussi à rassembler ces matériaux inhabituels dans un type de cohésion unique qui oscille brillamment entre cohérence et absurdité.

Ses sculptures ont été qualifiées de « complexes » et contrairement aux « combinaisons » emblématiques de Robert Rauschenberg des années 1950 et 1960, qui étaient une intégration de la peinture et de la sculpture, Harrison associe des objets qui ne semblent jamais se combiner complètement.

Le travail de Harrison, ainsi que d’autres inclus dans l’exposition inaugurale «Unmonumental» du Nouveau musée en 2007, offrait un contrepoint, voire un rejet de la sculpture qui dominait les années précédentes: le grand et néo-pop d’artistes tels que Jeff Koons et Takashi Murakami.

Ces artistes ont continuellement investi beaucoup de temps, d’énergie et d’argent dans l’exploration de nouveaux matériaux toujours plus brillants afin de fabriquer des objets monumentaux de plus en plus volumineux pour dominer nos espaces publics. En regardant autour du spectacle du nouveau musée, il était difficile d’imaginer un contraste saisissant.

Kehinde Wiley, Napoléon à la tête de l’armée des Alpes, 2005

Les critiques lisent souvent la peinture de Wiley, et l’ensemble de sa production, comme un puissant questionnement sur l’histoire de l’art occidental. Selon l’interprétation, Wiley rejette et renverse les rôles subjugués ou inférieurs dans lesquels les hommes noirs ou bruns ont été représentés et les place au premier plan.

Pourtant, comme Wiley le sait sans doute aussi, son travail est plus complexe que cela. Cette œuvre, par exemple, met en lumière l’hyper-masculinité de la pièce originale (Napoléon, traversant les Alpes de 1801 du peintre Jacques-Louis David), mais présente aussi subtilement la sexualité masculine comme un sous-texte, chose rarement vue dans l’histoire de l’art occidental.

Le succès de Wiley n’est qu’un exemple de la manière dont l’art afro-américain est devenu beaucoup plus visible dans les galeries, les musées et les universités américains ces dernières années, après des siècles d’exclusion ou (au mieux) de représentation incohérente.

Néanmoins, des problèmes majeurs subsistent: la quantité d’expositions personnelles consacrées à des artistes afro-américains est également relativement modeste et, même si les valeurs des œuvres d’artistes américains et contemporains ne cessent de croître, ce travail est encore largement sous-estimé par rapport au monde de l’art et au travail d’artistes blancs ayant des réalisations ou un statut de carrière similaires.